Nature: Hsiao-Hsi Chen x Nunu Fine Art
「展覽exhibition」作為一種闡述議題的途徑，逐漸成為文化產業為自己發聲的首選。替代空間、藝廊與博物館等藝術機構，不再僅限展示陳列傳統認知裡的「藝術品」，而有更多關於大種流行文化的足跡，如2013年春天倫敦V&A博物館（Victoria and Albert Museum）的「大衛・鮑伊回顧展DAVID BOWIE is」等。上個世紀開始已出現不少相關討論，也有愈來愈多的藝術機構開始啟動跨領域的合作計劃。今年夏日，路由藝術也將迎來新的挑戰，帶著時裝設計出身的藝術家作品，揭開展覽序幕。
藝術與時裝的結合大致可以分為兩種：一是藝術家與時裝設計師的合作，最早如上個世紀初與超現實主義藝術家達利（Salvador Dali）合作龍蝦裝（Lobster Dress）、鞋帽（Show Hat）的義大利時裝設計師艾莎・夏帕瑞麗（Elsa Schiaparelli）；另一則是將服裝設計師直接視為藝術家的專題展覽。前者尚屬兩方的跨域合作；後者則是企圖消融兩者的界線，在美感基礎之上強調服裝本身的藝術價值，不再任意偏重其承載的社會符號或純然的視覺感受。
時裝品牌以自傳式精神走進純藝術的展示空間，往往期待能藉由服裝本身的視覺性／功能性，反映某一時期特定的政治經濟與文化環境，達到伸展台上觸及不了的宣傳效果。如2011年美國大都會美術館（The Metropolitan Museum of Art）為英國服裝設計師亞歷山大・麥昆（Alexander McQueen）策劃的「野性之美Savage Beauty」展覽；或今年十月即將在紐約MoMA（The Museum of Modern Art）展開的「物件：時裝是否當代Items: Is Fashion Modern? 」，即是透過20、21世紀的服飾說明過去百年來的人類歷史，預期能提供觀者、品牌本身等異於商店陳列的效果，而不僅是讓出空間扮演一個大型櫥窗的角色。
無可否認地，縱使兩者向來相互啟發、影響，博物館／美術館有時依然會刻意與時裝產業保持距離。原因是存在難以規避的利益權衡問題，以致大眾對館方是否真正保有展覽自主權感到懷疑。面對試圖擺脫從解說歷史角度出發的時裝展覽，則得更謹慎處理訴說口吻與相伴而來的影響效應，而更坦然地帶著時裝登上藝術殿堂。
與上述提及的機構比較，藝廊的確有著相對彈性的空間，能夠給予從服裝設計出發的創作作品更多接受討論的可能。無論從其使用媒材出發，探究媒材與創作語言的關係；或將其作品視作為某現世議題的反射窗口；甚至單純就其美學上的成熟與完成度討論，都是值得期待的。作為不受形式限制的當代藝術藝廊，或許更該關注創作者與作品的本體性，提供一個超脫預設成見的觀看空間。
今年盛暑，路由藝術挑戰這位1995年出生的藝術家陳曉熙，大膽地重新詮釋貫用的各式媒材與顏色，將她心中的「自然、天生、性格」透過原為伸展臺的彩衣一一訴說，並發展出系列類自然的人工雕塑作品。